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domingo, 6 de octubre de 2019

SAFO DE LESBOS, LA POETISA GRIEGA Y SÍMBOLO DEL AMOR-PASIÓN ENTRE MUJERES QUE OTORGÓ EL NOMBRE A LAS LESBIANAS

«Unos dicen que lo más bello sobre la oscura Tierra, son las tropas de jinetes. Otros, que la infantería, y algunos que un tropel de barcos. Pero yo digo que es lo que uno ama» escribía Safo.

Safo de Lesbos, fue la poetisa griega que expresó por primera vez en la serena espontaneidad y franqueza, el amor entre mujeres de una forma atónita y cautivadora para muchos. Es la primordial artista femenina de las letras del mundo occidental. Platón la llamó "Safo, la seductora" y "La décima musa", un detalle que la sitúa en un estatus de resonancia y admiración inalcanzable en el ámbito de la poesía; sin embargo, paralelamente ha sido criticada por otros, en virtud de que diversas sociedades posteriores han considerado -y consideran- el amor y la pasión de mujer a mujer, un sinsentido. También conocida como Safo de Mitilene o simplemente Safo (en griego, Σαπφώ; en eolio, Ψάπφω), está erigida como una escritora de autoridad de la época arcaica. Más tarde, los comentaristas griegos la incluyeron en la lista de 'los nueve poetas líricos'.
Los rasgos característicos de su antología son la naturaleza (calmada y dulce), la belleza de la mujer, el erotismo, las fiestas matrimoniales... todo ello aderezado por una sensibilidad y dulzura insuperables. Asimismo, la unión de lo terrenal con lo divino va muy ligada a Safo, pues la personalidad de ésta estaba influenciada por su dedicación a Afrodita. Se ha dicho que fue tan distinta a las otras: turbadora y frágil, a la vez cándida y deslumbrante; un conmovedor imán de pasiones. Sus compatriotas contemporáneos la alabaron con gran ardor y enamoramiento, ponderando que 'sus palabras venían mezcladas con llamas'. Y, si bien, está suficientemente probado que no fue una cortesana, hay frases dedicadas a ella ensalzando su castidad y su nobleza de alma. Sus versos, escritos en dialecto eolio, han trascendido gracias a su naturalidad y pureza.

Safo nació en Lesbos, isla griega cercana a la costa de Asia Menor, ahí el mar baña las orillas donde creció la autora de numerosas estrofas y creaciones bucólicas-líricas; con la excepción de un corto exilio en Siracusa (actual Sicilia), en el año 593 a.C. No se saben muchos datos biográficos sobre ella, y sólo se conocen algunos trozos extraídos de citas tardías (tradición indirecta) y de papiros. Casi todos sus poemas existen lamentablemente de forma parcial, por el testimonio de otros autores que los mencionan. Entonces acerca de su vida personal, únicamente hay tejidos hipotéticos y conjeturas. La mayoría de éstos derivan de interpretaciones de su cúmulo poético, del cual se cree que ha llegado menos del 10%; es decir, tan sólo 650 versos. Safo era anti-helénica. Su familia perteneció a la oligarquía local. Fue parte de una sociedad llamada tiaso (θίασος), que era una comitiva al servicio del dios Dioniso (dios olímpico del vino) que se entregaba a todo tipo de éxtasis y placeres.
Más adelante conforma la llamada 'Casa de las servidoras de las Musas', cuyo hermetismo dentro de las paredes, levantaba alrededor rumores morbosos relacionados con las supuestas prácticas sexuales que ahí se llevaban a cabo. En la búsqueda de expandir los derechos de las mujeres, originalmente era un centro de formación donde aprendían literatura, danza y arte; a recitar poesía, a cantarla, a confeccionar coronas y colgantes de flores, entre otras habilidades. A partir de sus poemas se ha especulado con que Safo se enamoraba de sus discípulas y mantenía relaciones lésbicas con algunas de ellas. Todo esto la ha convertido en una representación simbólica del amor pasional entre mujeres, aunque según el relato se suicidó por un hombre en un amor no correspondido.

Esta academia que fundó en Lesbos, ayudó con sus clases a muchísimas mujeres en el aprendizaje. Ahí se han subrayado las particulares inclinaciones sexuales de la poetisa, unos dicen que era lesbiana, otros que era bisexual. Safo de Lesbos cantó el amor hacia sus alumnas con desfachatez y sin tapujos, sobretodo a Atthi, protagonista de muchos de sus poemas más dolorosos:

De veras, quisiera morirme.
Al despedirse de mí llorando,
me musitó las siguientes palabras:
«Amada Safo, negra suerte la mía.
De verdad que me da mucha
pena tener que dejarte.» Y yo le respondí:

«Vete tranquila. Procura no olvidarte de mí,
porque bien sabes que yo siempre estaré a tu lado.»
Cierta leyenda, surgida de algún extracto inherente a la poetisa, narra la historia de Faón, un hombre atractivo del que se enamoró la mismísima diosa Afrodita. Según el mito, Safo, inducida por la diosa, se suicidó desde la roca de Léucade lanzándose al mar cuando su amor por Faón no se vio retribuido. Esta roca de la isla de Léucade era, al parecer, el punto desde donde se lanzaban al acantilado con frecuencia los enamorados para suicidarse. Otra versión afirma que Safo lo escribió como metáfora de una decepción amorosa, ya que en uno de sus fragmentos se describe como alguien que ha llegado a la vejez, y es incapaz de amar. Esta imagen de Safo atormentada por un amor no recíproco fue representada a menudo por los grandes pintores europeos del siglo XIX, que reflejan una visión romántica de Safo con el pelo largo apoyada en la roca.

Pese a todas las parábolas que giran en su entorno (que si enamoraba a sus alumnas, que si se casó, que si era un demonio según los escritores de la Edad Media, que si su familia era aristocrática) lo que se sabe seguro es que Safo se enamoró con una intensidad que vislumbró en sus poemas, los cuales, ya inmortales plasmaron la pasión entre mujeres en una faceta innovadora.

¿Arde de nuevo el corazón inquieto?
¿A quién pretendes enredar en suave
Lazo de amores? ¿Quién tu red evita,
Mísera Safo?
κὤττι μοι μάλιστα θέλω γένεσθαι
μαινόλᾳ θύμῳ, τίνα δηὖτε πείθω
μαῖς ἄγην ἐς σὰν φιλότατα τίς τ, ὦ
Ψάπφ᾽, ἀδίκηει;
Que si te huye, tornará a tus brazos,
Y más propicio ofreceráte dones,
Y cuando esquives el ardiente beso,
Querrá besarte.
καὶ γάρ αἰ φεύγει, ταχέως διώξει,
αἰ δὲ δῶρα μὴ δέκετ ἀλλά δώσει,
αἰ δὲ μὴ φίλει ταχέως φιλήσει,
κωὐκ ἐθέλοισα.
Debido al claro abuso que se hizo de su término y origen, con intención evidentemente despectiva, hoy día se llama lesbiana a una mujer homosexual. Es de imaginar a los lectores de siglos posteriores, invadidos ya por la moral y por subversiones colectivas y religiones, refiriendo a Safo entre cervezas: "Tsé, ¿has leído a la lesbiana esa?", "¡Libertad sexual le daba yo", "¡Seguro que se acostaba con todas!". Pues eso es lo que pensaban -y piensan-.

Su extendida y mitificada obra refleja solamente la visión de la estrecha atmósfera social en que ella vivía, que se reducía a sus alumnas y a su familia; y del cual no describe prioritariamente su estilo de vida, sino sus vivencias interiores. Esto hace que el talento literario de Safo carezca de una perspectiva histórica y crítica de la sociedad griega. La sensibilidad y delicadeza propias del orbe femenino son las protagonistas de sus poemas, sentimientos encontrados con su círculo de aprendices: como la envidia, el amor, la decepción, la alegría y la rivalidad; porque no son censurados, más bien son colocados en su pleno esplendor. El mundo sáfico es un mundo de mujeres, en el que la rudeza y la fuerza son descartadas totalmente de sus poemas aunque la figura masculina complementa algunos de éstos, quizá necesariamente como parte del poliedro.
Safo incrusta en sus poemas la pasión amorosa que se apodera del ser humano y que se manifiesta en diversas formas: como los celos, el deseo o una intangible nostalgia. Aquel singular e intenso contenido amoroso de sus líneas propició toda clase de habladurías y suposiciones sobre su vida. Sus versos se recitaban y se conocían en la Atenas del s. V a.C. Más tarde, en Roma, los poetas latinos elogiaron su poesía. Allí había bustos de la poetisa (cf. el discurso de Cicerón contra Verres, acusado de robar un busto de Safo).

Tuvo tantos críticos y detractores, como admiradores entre las sucesivas generaciones del lirismo, así griegas como latinas. Safo y su compatriota Alceo son reconocidos como los poetas más asombrosos de la poesía lírica griega arcaica, de la que Terpandro y Arión son precedentes. Son, además, los únicos íconos representativos de una producción literaria lesbia. Safo de Lesbos ha sido probablemente la poetisa más traducida e imitada de la antigüedad clásica.

miércoles, 21 de agosto de 2019

CHARLES BAUDELAIRE. LAS FLORES DEL MAL (LES FLEURS DU MAL): SU MÁXIMA OBRA CENSURADA POR LA MORALIDAD DE LA ÉPOCA

      Invocar los poemas de Charles Pierre Baudelaire (1821-31-1867) para evitar que el corazón se marchite, paradójicamente es remitirse a un paisaje tortuoso y decadente. Baudelaire fue un poeta, ensayista, crítico de arte y traductor francés. Paul Verlaine lo incluyó entre los poetas malditos de Francia del siglo XIX, debido a su vida bohemia y de excesos, y a la visión del mal que impregna su obra. Sin embargo, en sus poemas también se reconocen los elementos claramente románticos; entonces el genio y el poeta, son malditos para la sociedad por su bendición y capacidad de comunicarse con la naturaleza. Aunque esta virtud se paga con soledad y el sentimiento de la indiferencia, la incomprensión y la persecución.
       De este modo, la persona que tiene una sensibilidad innata tendrá que vagar por el mundo, como lo hizo Baudelaire; quien se abandonó al vértigo del infierno, o mejor dicho, a la Tierra mundana. Él nunca creyó formalmente en Dios, pero sí aceptó un poder superior que se escondía bajo la concepción de lo ideal. Y ante su imposibilidad de alcanzar lo supremo, se dejó carcomer por los sentimientos de maldad que habitan en el universo.

         Para el poeta maldito, la vida es un aprendizaje a partir del sufrimiento y la desdicha. Éste ser, que también es víctima de la feminidad terrible, está condenado a ser infeliz en este plano terrenal y lo único que le permite soportar el dolor es un consuelo divino. Por eso la figura del poeta es un santo, cuya estancia en la Tierra es una larga peregrinación, que debe de aceptar porque el dolor es el remedio a sus impurezas.
       La palabra 'spleen' -pieza fundamental para su libro "Las flores del mal" (1857)-, designa un estado mental de profunda melancolía. El título del primer apartado de esta antología poética es "Spleen et Idéal", a manera de contradicción o de palabras que se aniquilan la una a la otra. Con esta sencilla conjunción Baudelaire demuestra que el ideal, si pudiese ser alcanzado, sería el único y verdadero remedio para el spleen. Por consiguiente, el fracaso ante el ideal provoca la terrible melancolía que azotó al poeta maldito y que lo envolvió en las tinieblas hasta la muerte.

Las flores del mal (título original en francés: Les Fleurs du mal), es una colección de poemas de Charles Baudelaire. Considerada la obra máxima de su autor, abarca casi la totalidad de su producción poética desde 1840 hasta la fecha de su primera publicación. La primera edición constó de 1.300 ejemplares.
Las Flores del mal, es sobresaliente como una de las compilaciones más importantes de la poesía en la modernidad; aspecto que ejerció una influencia considerable en poetas como Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé o Arthur Rimbaud.

El libro debió llamarse en principio "Los limbos" o "Las lesbianas", pues la intención primitiva era la de escribir sobre los pecados capitales; aunque Baudelaire renunció a ello, siguiendo los consejos de un amigo. Dicho libro fue catalogado de inmoral, ya que exaltaba el goce de la vida y de las pasiones.
A lo largo de toda la obra, Baudelaire juega sobre las correspondencias verticales y horizontales que más adelante inspirarán a otros muchos poetas; todo su poemario se construye como un itinerario moral, espiritual y físico. Divide el libro en siete partes, introducidas por el famoso poema Al lector: Esplín e ideal, Cuadros parisinos, El vino, Las Flores del mal y Rebelión, con una conclusión final: La muerte. Esta obsesión de que no consideraran su libro como una mera recopilación de poemas, sino como un libro con principio y fin, en el que todos los poemas se subordinan al ser elementos de una estructura general rigurosa; incidirá profundamente en poetas desde Stéphane Mallarmé hasta Jorge Guillén en su obra "Aire nuestro", y dará lugar a una serie de investigaciones sobre la posible asociación numerológica o astrológica e incluso un paralelismo con la Divina Comedia.

CONDENA POR LA PUBLICACIÓN DEL LIBRO EN 1857


El 20 de agosto de 1857, el autor es acusado de ultraje a la moral pública, por lo que se ve obligado a quitar seis de sus poemas. Ha de tenerse en cuenta que Baudelaire, a raíz de esta condena, se decidió a cultivar otro género literario que él califica más peligroso todavía que el poema en verso: el poema en prosa, del que nacerán "Los pequeños poemas en prosa" (o también conocido como "El spleen de París".
La condena por la publicación de Las flores del mal debido a su contenido herético y erótico, es un caso controvertido. Muchos de los poemas aparecidos en este libro, ya los había publicado Baudelaire en diversos periódicos sin penalización alguna. Pero la contradicción reside en la política ambigua contra ciertos escritores durante el gobierno de Napoleón III. En un principio la multa fue de 300 francos, reducida luego por la emperatriz a 50 francos, cuando por la publicación de los ejemplares de Las Flores del Mal cobró una octava parte del precio de catálogo, o 25 céntimos (el doble que por la traducción de cinco volúmenes de Edgar Allan Poe, que hizo entre 1856 y 1865): lo que se resume a un cobro de 275 francos menos la multa inicial reducida a 50.

La multa contrasta con el hecho de que Baudelaire recibía del estado francés 2500 francos -sueldo medio anual de un funcionario- de ayuda a la creación literaria, o el subsidio por enfermedad (la sífilis, de la que moriría en 1867 y que le mantendría durante su último año de vida bajo los síntomas de afasia y hemiplejía) para sufragar los gastos de la clínica en París. Este doble papel de la autoridad quería mantener la imagen de mártir de sus literatos, sin afectarlos directamente, circunstancia ésta que no destacan sus hagiógrafos.
La sífilis que padecía le causó un primer conato de parálisis en 1865 y los síntomas mencionados que arrastraría hasta su muerte, aparecieron con violencia en marzo de 1866, cuando sufrió un ataque en la iglesia de Saint Loup de Namur. Trasladado urgentemente por su madre a una clínica de París, permaneció sin habla, pero lúcido hasta su fallecimiento, en agosto del año siguiente. Fue enterrado en el Cementerio de Montparnasse, junto a la tumba de su padrastro. Su epistolario se publicó en 1872; los "Journaux intimes" (que incluyen Cohetes y Mi corazón al desnudo), en 1909; y la primera edición de sus obras completas, en 1939.

Tras su muerte, Charles Baudelaire sería considerado el padre o gran profeta de la poesía moderna.

"Ángel lleno de gozo, ¿sabes lo que es la angustia,
la culpa, la vergüenza, el hastío, los sollozos
y los vagos terrores de esas horribles noches
que al corazón oprimen cual papel aplastado?

        Ángel lleno de gozo, ¿sabes lo que es la angustia?"

viernes, 2 de agosto de 2019

WAGNER: LA MÚSICA Y EL HOLOCAUSTO (PARTE I). SU PAPEL FUNDAMENTAL EN LA VIDA COTIDIANA BAJO EL RÉGIMEN NAZI

        Desde que Hitler subió al poder en 1933, hasta la liberación en 1945, la música jugó un importante rol en la cotidianidad nacional bajo el yugo del nazismo. Sobresalen distintos compositores y músicos, incluyendo aquéllos que apoyaron a los nazis y aquéllos que se convirtieron en sus víctimas. Y es vasta la variedad de grabaciones de sonido, o bien, la vida musical en los guetos y campos de concentración de Europa.
        La música es un lenguaje estético con un contexto histórico y, por tanto, también es ideológica y ética; aunque es polisémica, pudiéndose interpretar según los deseos y ajustada a la coherencia de los significados musicales. Entonces, coexisten dos fuentes dialécticas: la histórica-ideológica y la física-estética. Es decir, la ética del compositor y la estética musical como características duales.

El Partido Nazi utilizaba la música en su publicidad, política y propaganda; así como en sus intentos directos, por 'limpiar' el mundo musical alemán de 'degeneración'.
        En la imaginación nazi, la música tenía un significado único y poder para seducir e influenciar a las multitudes. El Partido hizo amplio uso de la música en su publicidad de ideas y esta estrategia, tuvo un papel principal en reuniones y otros eventos públicos. La canción "The Horst Wessellied" (Horst Wessel), era popular y cantada masivamente. Muchas canciones de propaganda apuntaban a los jóvenes y las Hitlerjugend (Juventudes Hitlerianas), desarrollaron un elaborado programa de música.
    En 1938, se montó la infame exhibición "Entartete Musik" (Música Degenerada) para mostrar al público alemán cuál era la música degenerada, cuáles eran sus peligros y celebrar su purgación de la sociedad alemana. El liderazgo nazi, hizo un gran esfuerzo para remover 'indeseables' del mundo de la música en Alemania. Desde el principio, el jazz y la música 'judía' en particular (y sus músicos) se convirtieron en blanco de ataque y censura.
         Así que la búsqueda nazi por purificar y reconstruir el mundo de la música alemana motivó una enorme cantidad de actividades, planificación y generación de políticas. El Reichsmusikkammer (Consejo de Música del Reich) se fundó meses después del acceso nazi al poder, con la intención de 'limpiar' la escena musical de judíos, extranjeros, izquierdistas políticos y mejorar la situación de los músicos 'de la raza aria'. La Jüdischer Kulturbund (Asociación Cultural Judía), por contraste, era una organización exclusivamente judía que intentaba emplear temporariamente a los miles de judíos que habían sido despedidos por la legislación nazi.
         La música también se explotó deliberadamente, con la finalidad de hacer propaganda. El liderazgo nazi apoyaba a la Kulturbund (Asociación Cultural Judía), en parte, porque podría presentarse como prueba de que los judíos no eran maltratados. Asimismo, la vibrante vida cultural de Theresienstadt (Terezín, casi sinónimo de 'la música de la Shoá') era una efectiva herramienta para hacer propaganda, ya que reforzaba la imagen del campo como un asentamiento judío 'modelo'. En el verano de 1944, hubo una visita de un oficial de la Cruz Roja y se presentó la obra Réquiem de Verdi y la ópera infantil Brundibár.

LA MÚSICA EN LAS JUVENTUDES HITLERIANAS


Para 1945, las Hitlerjugend o Juventudes Hitlerianas, habían incorporado a casi todos los jóvenes alemanes del Reich; y cientos y cientos de alemanas se afiliaron a su organización hermana, la Bund Deutscher Mädel o Liga de Mujeres Alemanas. El entrenamiento físico y mental de los jóvenes alemanes, era una de las prioridades del Partido Nazi y se le daba mucha importancia a las actividades infantiles y a la educación. El principal organizador y líder de las Hitlerjugend, Baldur von Schirach, era considerado uno de los oficiales nazis más importantes del Reich. Dentro del sistema de ejercicios militares, programas educativos, marchas, campamentos y servicios comunitarios que formaban parte de las actividades de las Juventudes Hitlerianas; se ponía especial énfasis en la música, particularmente en el canto grupal. Según las Hitlerjugend, precisamente en festejos y eventos musicales, se tiene una excelente oportunidad de lograr un efecto político más allá de la formación típica. Su creencia, es que las canciones tienen el más amplio poder para construir comunidades. Por lo tanto, se usan deliberadamente en momentos para despertar la consciencia y de ser parte de una comunidad, para profundizar el poder de dicha experiencia.
Las Hitlerjugend se crearon a principios de 1920, cuando el Partido Nazi todavía era un movimiento periférico. Con el ascenso de los nazis al poder en 1933, von Schirach tomó el control de las Hitlerjugend y supervisó la gran expansión del grupo en cuanto a su membresía y actividades. En diciembre de 1936, se declaró la Ley de las Juventudes Hitlerianas y la membresía fue obligatoria para todos los jóvenes de Alemania. Esto se logró, en cierta medida, por la prohibición de otros grupos juveniles y por la incorporación de esos miembros a las Hitlerjugend. El objetivo de la organización era inculcar disciplina, amor por Alemania y educar a los jóvenes dentro del pensamiento nazi:

"Más allá de la influencia de los padres y la escuela, toda la juventud alemana debe ser educada exclusivamente en cuerpo, mente y conducta dentro del espíritu Nacionalsocialista, para el servicio de la gente y su comunidad".

         Junto con su líder de música Wolfgang Stumme, von Schirach enfatizó el poder de la música y la canción en la educación de las Juventudes Hitlerianas, y él mismo escribió varias canciones de las Hitlerjugend. La música tenía un cometido destacado en el plan de estudios de las Juventudes Hitlerianas y los estudiantes recibían clases regulares de capacitación formal en música (vocal e instrumental). Se crearon cientos de grupos musicales de las Hitlerjugend, que actuaban en fiestas de cumpleaños de altos funcionarios nazis y celebraciones nazis; algunos, incluso, actuaban internacionalmente. El canto grupal era considerado particularmente importante, como medio para generar cohesión grupal y obediencia y se publicaron varios libros de música con esta finalidad. Irónicamente, estas actividades formaban parte de muchas prácticas musicales comunes a grupos juveniles comunistas e izquierdistas (se ponía énfasis en crear música grupal en vez de actuaciones individuales, la importancia de canciones populares, el uso de la música para incentivar la solidaridad grupal) y habitualmente usaban las mismas canciones, solamente cambiaban las letras para promover la visión nazi. Las Hitlerjugend, también incorporaron bastante música instrumental, particularmente bandas de metales.
Un ex miembro de las Juventudes Hitlerianas, recordó:

"Las canciones que cantábamos, los poemas que recitábamos, todo era brillante, luminoso y claro; el sol y la tierra, nos pertenecían y mañana también el mundo entero iba a ser nuestro".

EL ANTISEMITISMO DE RICHARD WAGNER


          Cuando Hitler nació, Wagner ya había muerto. Así que no coincidieron en vida, pero el antisemitismo de Wagner lo atrajo indiscutiblemente y además lo convirtió en su compositor favorito. Entonces la ideología hostil antisemita en los países del norte de Europa era una constante hasta la Segunda Guerra Mundial, no sólo en Alemania. Y si actualmente esta forma específica de racismo es un sentimiento minoritario, anteriormente no lo era.
       Richard Wagner era un hombre de su tiempo y, en su tiempo, el ideario antisemita era realmente común. Prácticamente todos los países occidentales han dado muestras de prejuicios, contra la raza judía. Hoy en día, existen reminiscencias de antisemitismo.

 A Wagner se le adora o se le detesta, tanto por su música como por él, como persona. Hay quien afirma que como hombre, fue un ser monstruoso; se hace alusión a sus infidelidades, a su carácter manipulador y a su reconocido prejuicio hacia los judíos, además de ser calificado de 'oportunista' en su relación con el Tercer Reich. Por ende, se conoce el polémico binomio Wagner-Hitler.
Hasta ahora, el máximo exponente del recalcitrante antisemitismo de Wagner fue el ensayo que él mismo publicó en 1850, bajo el título de "Das Judenthum in der Musik" (El judaísmo en la música) del que no sólo no se retractó, sino que incluso escribió una segunda versión más dura, en 1869. Sus tesis fueron celebradas por el Führer, que convirtió su música en dogma operístico del Tercer Reich y proscribió a Mendelssohn, de origen judío y tachado de 'débil' por Wagner.

Hitler -es un hecho probado-, fue un ferviente admirador de su música, un habitual de Bayreuth y un amigo cercano de la familia del hijo de Wagner, Siegfried; y de sus nietos Wolfgang y Wieland, que le llamaban afectuosamente 'Tío Wolf'.
Lo relevante de Wagner, no es lo que hizo en vida, sino la vislumbrante estela que dejó para la posteridad por cómo influyó -y sigue influyendo- en Alemania y los alemanes; que cada par de décadas cambian su perspectiva sobre él y su música, readaptando la interpretación musical e ideológica del genio a los nuevos tiempos.

jueves, 4 de julio de 2019

"HOMBRES NECIOS QUE ACUSÁIS". POEMA SATÍRICO-FILOSÓFICO DE SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ (1689)

      Conocido por las palabras de su primera línea, "Hombres necios que acusáis", es un poema de corte satírico-filosófico de Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695) en el que plantea que los hombres ocasionan el comportamiento sexual femenino que ellos mismos luego censuran.
Asimismo, en este poema, expone los temas de la desigualdad y la injusticia de los cuales es víctima la mujer a través del machismo y la discriminación femenina. El tema principal del poema, es la crítica férrea sobre la postura que toma el hombre ante la mujer actuando de manera hipócrita, egoísta e impulsiva, y de la cual deja muy clara su posición de desacuerdo.
Sor Juana Inés de la Cruz, fue una religiosa de la Orden de San Jerónimo y destacada escritora del género de la lírica y prosa durante el Siglo de Oro español.

Cabe recordar que ella defendía la figura femenina y su valor, de ahí su llamado de atención enérgico al trato y lugar que los hombres daban a las mujeres de su época. 

Hombres necios que acusáis
a la mujer sin razón
sin ver que sois la ocasión
de lo mismo que culpáis:

si con ansia sin igual
solicitáis su desdén
¿por qué queréis que obren bien
si las incitáis al mal?

Combatís su resistencia
y luego, con gravedad,
decís que fue liviandad
lo que hizo la diligencia.

Parecer quiere el denuedo
de vuestro parecer loco
al niño que pone el coco
y luego le tiene miedo.

Queréis, con presunción necia,
hallar a la que buscáis,
para pretendida, Thais,
y en la posesión, Lucrecia.

¿Qué humor puede ser más raro
que el que, falto de consejo,
él mismo empaña el espejo
y siente que no esté claro?

Con el favor y el desdén
tenéis condición igual,
quejándoos, si os tratan mal,
burlándoos, si os quieren bien.

Opinión, ninguna gana;
pues la que más se recata,
si no os admite, es ingrata,
y si os admite, es liviana.

Siempre tan necios andáis
que, con desigual nivel,
a una culpáis por crüel
y otra por fácil culpáis.

¿Pues cómo ha de estar templada
la que vuestro amor pretende
si la que es ingrata, ofende,
y la que es fácil, enfada?

Mas, entre el enfado y pena
que vuestro gusto refiere,
bien haya la que no os quiere
y quejáos en hora buena.

Dan vuestras amantes penas
a sus libertades alas,
y después de hacerlas malas
las queréis hallar muy buenas.

¿Cuál mayor culpa ha tenido
en una pasión errada:
la que cae de rogada,
o el que ruega de caído?

¿O cuál es más de culpar,
aunque cualquiera mal haga:
la que peca por la paga,
o el que paga por pecar?

Pues ¿para qué os espantáis
de la culpa que tenéis?
Queredlas cual las hacéis
o hacedlas cual las buscáis.

Dejad de solicitar,
y después, con más razón,
acusaréis la afición
de la que os fuere a rogar.

Bien con muchas armas fundo
que lidia vuestra arrogancia,
pues en promesa e instancia
juntáis diablo, carne y mundo.